miércoles, 31 de diciembre de 2008

Like A Daydream - A Shoegazing Guide (2006)


Like A Daydream - A Shoegazing Guide (2006)
Mp3 @ 192 kbps -101 MB

El ùltimo post del año

Every genre, putative or not, must some day get its due, or so it seems. The Internet readily allows for many more homemade compilations these days, but there's still room for formal efforts, and in its own small way, Like a Daydream, a single-disc effort covering the first blush of shoegazing in the U.K. (named after the early Ride classic that starts the album), has its place. It's partially a logical outgrowth of the Castle/Sanctuary label's repackaging of many of shoegazer's back catalogs — Ian Watson, who did the liner notes for the Slowdive reissues, does similar honors here. But it does include a number of efforts courtesy of other labels and ultimately functions as a pretty good all-around taster of a heady time. Perhaps logically enough, My Bloody Valentine do not appear on the disc — Kevin Shields was rarely comfortable with the many bands that followed in his wake and understandably wanted his work to be seen separately. So Like a Daydream is in the end more of a focus on the aftermath, picking one song each from nearly every group that made an initial splash in the early '90s that loved psychedelic blur, gauzy vocals and general tripping out. What the disc helps make clear is the actual variety at play under the general sonic label — Chapterhouse's dance bliss-out "Pearl" and Swervedriver's sprawling guitar raunch "Son of Mustang Ford" are hardly similar, for instance. Meanwhile, a number of acts are included that had tangential connections at best — Cranes' "Tomorrow's Tears" is spectacular but far more skeletally goth than anything else, while groups like Ultra Vivid Scene, the Telescopes and especially Spiritualized had progressed from different if parallel backgrounds than those who played out their copies of Isn't Anything. (Not including something from A.R. Kane, meanwhile, seems a glaring absence.) But overall, Like a Daydream is a sweet treat — and credit should go to the compilers for choosing Slowdive's underrated "When the Sun Hits" over the much more familiar "Catch the Breeze."

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lunes, 29 de diciembre de 2008

THE RADIO DEPT - Pet Grief (2006)




THE RADIO DEPT - Pet Grief (2006)
Mp3 @ 192 kbps -33 MB



Me han dado, me han dado ahí. Tanto da que me resistiera lo suyo antes de sumarme al elogio generalizado de su destacado debut de 2004, “Lesser Matters”, (que bien podría pasar por la cabeza del iceberg de ese subterráneo revival shoegazer que muchos avistan), los suecos THE RADIO DEPT. pertenecen a ese tipo de bandas que se terminan queriendo locamente con el corazón, por mucho que la cabeza invite a la prudencia. Y es que arranca un disco como éste, con la instrumental “It´s personal” cavando una zanja entre THE CURE y OMD, y al poco rato su inquietante batiburrillo de influencias selectas te tiene tan completamente pillado que no hay sospecha que valga. Sí, todo lo que te gusta está ahí en su justa medida, casi como oficiando de demostración de la tesis de que no sólo se puede trazar una línea del after-punk a los shoegazers por la vía del synth-pop, sino que dentro de ese parámetro, hemos venido caminando multitud de bandas y oyentes, persiguiendo una misma sensibilidad durante años. Si existe un punto intermedio en el que juntar a –miren sus adentros, miren sus discografías- FIELD MICE, JESUS AND MARY CHAIN, FELT, THE CURE, PET SHOP BOYS, JOY DIVISION, MY BLOODY VALENTINE, OMD, TREMBLING BLUE STARS y SLOWDIVE, pues señores, THE RADIO DEPT. están justo ahora en ese punto dando, dando ahí, en el centro mismo del corazón del pop indie de tez blanca, tono desapasionado y regusto doméstico, que emite siempre a media voz.

Vale, “Pet Grief” probablemente no sea más que un humilde pastiche realizado, eso sí, con exquisito gusto. Como si de los BLACK CROWES o los OCEAN COLOUR SCENE del after-punk/shoegazer se tratara, THE RADIO DEPT. ofrecen un notable disco de género nada disimulado, que igual entusiasmará a los afines a ese tipo de sonidos, como repeler precisamente por ello. No hay más novedad que los nuevos sonidos que se suman, y ésta la da el pronunciado vuelco hacia una rudimentaria electrónica muy, muy 80´s (hagamos ahora la línea OMD-NEW ORDER-PET SHOP BOYS-Sarah Records), una constante presencia de pianos y ese enredador toque gaseoso de aquel sonido catedralicio de los CURE del “Disintegration”. Sobre ello, el sólido bloque que compone “Pet Grief” no deja de evocar aquel misterio que desprendía la música en la adolescencia y uno se abrazaba a ella con el modo reverencial del descubrimiento.

La adormilada voz de Johan Ducanson se filtra entre teclados atmosféricos, encantadores percusiones con añejo sabor a caja de ritmos y unas cada vez más puntuales cortinas de ruido blanco. Así surgen maravillas como “Every Time” (o lo que sería bañar el “Emma´s House” de FIELD MICE en las aguas eléctricas de “Psychocandy”) para soltar candorosas y sintéticas líneas de innegable practicidad pop sobre lo sencillamente complicado de las relaciones humanas, aptas para al himno de andar por casa. Ahí va un botón de muestra extraído de la mencionada “Every Time”: “cambia tu mente / éste es tu problema no el mío / tú siempre encuentras / alguien a quien colgarle las cosas”. Pongamos otro capturado de la tristeza contenida en el calmo puntillismo electrónico de “I Wanted You To Feel The Same”: “Me rompe el corazón decir que cuando sentía dolor / yo quería que sintieses lo mismo / pero nada te toca realmente / Es una pena / no puedo creer que no hayas sentido nada en absoluto”. Aunque quizá donde más calen es en el single “The Worst Taste In Music”, un sentido puente entre los PET SHOP BOYS del “Behaviour” y los OMD más volátiles, en la que el abandonado amante ve como su ex novia ya está con otro, amortiguando la ausencia con el pésimo gusto musical que el “sustituto” posee. Pero más allá del acierto puntual, lo que logra “Pet Grief” es inundarte de su particular microclima, consiguiendo que su evocadora niebla penetre en todos y cada uno de los poros de tu piel, hasta llegar al final y sentir la necesidad de volver a hacerlo sonar. Y eso claro está, es hablar con el corazón, no con la razón.

Llevo ya semanas enganchado a la lánguida estampa de este disco al que recurro de continuo, pese (o gracias, según se mire) a sus melancólicos efectos secundarios. De pronto, vas por la calle escuchando un grupo de 2006 que recrea con pasmosa soltura una buena parte de la b.s.o. de tu adolescencia, te topas frente tus pintas en el reflejo de un portal ahumado y ves, de golpe, que (!!!buff!!!) ahora pasas por desfasado precisamente por lo mismo que antes eras raro, ya completamente superado por la retro-modernidad. (Un suspiro). ¿Empieza la decadencia treinteañera?, ¿llegó el momento de decir que ya no se hacen discos como antes y sentir el pasado idealizado como algo irrecuperable a adorar?. Probablemente sobren las respuestas. Eso sí, mi particular bajada de la cima juvenil prefiero enfilarla sintiéndome taciturnamente fuera de tiempo con THE RADIO DEPT. en ese ipod en el que siempre hay lugar para “Closer” o “Loveless”, que asistiendo a los directos de los ROLLING STO… !ah no!, quería decir los PIXIES.

JAVIER BECERRA (Septiembre 2006)


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domingo, 28 de diciembre de 2008

The Coral - Roots & Echoes (2007)



The Coral - Roots & Echoes (2007)
Mp3 @ Vbr kbps -57 MB


"Roots & Echoes" is once again a major shift in mood and direction for The Coral. With every album they tweak and tinker with their sound ebbing from bombastic psychedelic sea shanties to pretty melodic tunes and back again, but always different than before.

"Roots & Echoes" finds the band mostly steering towards melodic ballads often times reminiscent of old country music but always with the production values of neo-psychedelic rock. There aren't too many surprises in terms of interesting tempo changes or distinguishable chord progressions that have made previous efforts so arresting. Most of the songs have a mellow and minimal approach, the productions and song writing reminds me of the e.p. "Nightfreak & The Son of Becker" but with overall better tunes.

That being said, there isn't a bad song in the set and some that I would even call great. The last three songs are the best of the batch. "Rebecca You" with it's mournful melody and lyrics are hauntingly beautiful- this is the most stirring song The Coral have ever produced. "She's Got A Reason" has all the interesting shifts, lyrics and instrumental breaks that one comes to expect from a great Coral song. Finally, "Music At Night", with the pulsating rhythm and swaying harmonies gives a sense of a modern take of the old country band Sons Of The Pioneers mixed with Johnny Cash late 50's output- great stuff.

Other standout songs on the album are "Who's Gonna Find Me" (the first single off the album), "Fireflies", and "In The Rain". Although I like "Who's Gonna Find Me" quite a bit, there's something about it that makes me think it's more of a retread rather than finding something new; but I can't really fault them for that, if that is the case.

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viernes, 26 de diciembre de 2008

The Coral - The Invisible Invasion (2005)



The Coral - The Invisible Invasion (2005)

Mp3 @ Vbr kbps -52 MB


En su nuevo trabajo, The Coral han contado a la producción con los Portishead Geoff Barrow y Adrian Utley, algo que parecía iba a ser un vuelco a su sonido o un acercamiento a los arreglos sintéticos, y sin embargo se ha convertido en una lección de cómo dar lustre al legado de bandas afterpunk británico, o de cómo sonar psicodélicos sin ponerse espesos -algo que ya quisieran Super Furry Animals-.

Nadie debe olvidar que ellos son de Liverpool y eso se nota. No sólo por que sus canciones nos remitan a paisanos ilustres como los Beatles, Echo & The Bunnymen Bunnymen o Teardrop Explodes, sino por sus poses, su buen hacer y sobre todo, por su gusto por las melodías cristalinas y el pop de alto voltaje que logran destilar en piezas como “In The Morning”, “Cripples Crown” o “So Long Ago”.

Pero The Invisible Invasion no se queda en el preciosismo, también tiene un lado árido (“Arabian Sand”), temas instantáneos (“The Operator”), momentos rodeados de un halo de misticismo (“A Warning To The Curious”, “Far From The Crowd”), o canciones con cierto aire clásico y atemporal (“Something Inside Of Me”, “Leaving Today”).

Un acierto en toda regla
.

Manuel Pinazo

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jueves, 25 de diciembre de 2008

The Coral - Nightfreak & The Sons Of Becker (2004)




The Coral - Nightfreak & The Sons Of Becker (2004)
Mp3 @ 192 kbps -39 MB

This album has largely been overlooked by the music press (possbily due to the fact it is a miny), and seem to be dismissing the Coral as slightly silly, kind-of-retro scousers who because of their tongue-in-cheek attitude in the studio as well as onstage will never sell as well as the Zutons. This is a stupid attitude to have. Unlike, say, Oasis, the Coral do not just nick stuff from the 60s. Instead, they take 60s music (especially psychedelic music) as an INFLUENCE, which they then EXPAND UPON. And boy they sure do expand on it effectively.
This album is similar to their previous efforts, but manages to outclass them on several fronts. For one thing, it is less influenced by the Beatles (their debut was very Beatles-tinged), or Dylan (Magic and Medicine) (note these are not the only influences on their previous albums, just examples), but instead takes much more from Syd Barrett-era Pink Floyd, and, in my opinion, at least matches it in terms of deranged genius.

God knows what they're going on about in the sleeve notes, and at only 28 minutes long you could get the impression that it is needlessly short. But it isn't. All the songs are exactly the right length, and the album has exactly the right number of them. This is punk psychedelia. The Coral have, on purpose or just by accident, managed to balance perfectly the whimsical brilliance of Syd Barrett and the schizophrenic madness of the Pixies (yeah, I know, not psychedelic, but I'm not trying to pigeonhole them here, just explain their sound), whilst maintaining a genuine and wholly earnest streak of individuality, both in terms of music and in terms of style- the Coral are not just another NME, eighties-revivalist sort-of-rock band. The Coral are the real deal. If this wasn't a miny album I'm sure it would be hailed as one of the best of the year, if not all time, but instead we have to content ourselves with Scissor Sisters, Keane and the Streets.

Buy this album now. Everyone should own a copy of it. You'll know what I'm going on about when you hear it. Every song is a cosmic slice of... well I don't even know what, man. It's just great. This is the best album of 2004, and if this is just a miny then I can't wait to hear what the Coral are going to produce given a full forty minutes or whatever




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miércoles, 17 de diciembre de 2008

The Coral - Magic And Medicine (2003)




The Coral - Magic And Medicine (2003)


Mp3 @ Vbr kbps -59 MB


Mixing equal bits Merseybeat melody, ragged "Nuggets" energy, and pure rock nostalgia, the Coral create one of the 21st century's finest odes to 1960s and 1970s garage rock. Not since the La's has a band more convincingly aped an era, and like that album, there's not a cringe-worthy moment in sight. Everything's in its right place, one might say. If the lads were accused of being too bombastic and experimental on their debut, here they reign in their influences and just stick with the program of creating rocking tunes. So subtle are the songwriting, playing, and production, one almost imagines these 12 songs are lost sonic treats from the Animals, Love, or some long-lost band. While a number of songs stick out as catchy, melodic, highlights, particularly the U.K. singles "Don't Think You're the First" and "Pass It On," a majority of the songs work as growers. While the band has abandoned the rousing loony attitude of its debut, and filtered out any ska influence, jazz, blues, and Spanish guitar motifs keep things varied. Beyond the singles, every track works its own fine magic, but the spooky, chugging "Bill McCai," and the atmospheric ballad "Careless Hands," are particularly noteworthy. The album loses its bearings somewhat after "Pass It On," not because the final two songs are weak, but because they stray from the even tone of the previous ten songs. Remarkably authentic in recovering the vibes of early British rock, Magic and Medicine is a mature, solid throwback. Whether or not the Coral travel these same musical avenues in the future, for now they've definitely created an album that's a world unto itself, and one that's well worth repeat visits.
All Music

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martes, 16 de diciembre de 2008

The Coral - The Coral (2002)




The Coral - The Coral (2002)

Mp3 @ Vbr kbps -69 MB


Does humour belong in music?" asked Frank Zappa. He obviously believed so, as his long and diverse catalogue of inspired madness demonstrates. The Coral think so too as they cheerfully pillage numerous musical genres to create one riotous and, amazingly, cohesive debut. Liverpool has frequently produced bands who refused to be categorised but whose lifespans were all too short. That paradoxical fusion of anarchy and discipline we hear in The Coral infused both The La's and The Stairs, neither of whom lasted, although Cast grew out of The La's, but perhaps we do not want to be reminded of that. The Coral, we hope, are setting sail on a long and fruitful voyage and their nets are already brimming with exotic creatures of the shallows and the deep. They may be the most important bunch of mischievous scouse iconoclasts since Echo and The Bunnymen. This album reaches us in time to provide the joyous soundtrack to the summer we probably won't have, so if you like your music full of ideas not copied out of the book of pop convention, put on your thorn of crowns and get your tan standing in the English rain with The Coral's debut pumping through the speakers. Go on, the neighbours will thank you for it.



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sábado, 13 de diciembre de 2008

My Bloody Valentine - The New Record (1986)


My Bloody Valentine - The New Record (1986)

Mp3 @ 320 kbps -22 MB


The New Record by My Bloody Valentine is the third EP by My Bloody Valentine, released in September 1986. The EP marked a shift away from the band's early post-punk sound, reflecting more the burgeoning C86-brand of indie pop.

Dave Conway — vocals
Kevin Shields — guitar
Colm Ó Cíosóig — drums
Debbie Googe — bass



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jueves, 11 de diciembre de 2008

The Radio Dept - Lesser Matters (2003)



The Radio Dept - Lesser Matters (2003)

Mp3 @192 KBP -59 MB


With no previous knowledge of Sweden's The Radio Dept, I bought their album Lesser Matters after sampling the first 3 songs at a listening station. It has been one of my best music purchases in recent memory. I would define their music as dream pop. It has that ethereal sound. The vocals are distant, gentle and hushed at times.

An unusual aspect of The Radio Dept's music is the use of white noise/feedback in their songs. At first, some may find this somewhat off-putting or that it interferes with soft melodies of their songs. I did. After a few listens, however, I became accustomed to its presence and began to like it. It is effective and generally works well. It also gives their music a distinctive note.

The lyrics of Lesser Matters deal largely with loss, the end of relationships, and emotional distress. The song "It's Been Eight Years" with its lyrics "I never knew that good experiences could cause a pain like this. I want something I can't have," epitomize the tone of many of the songs. Despite the subject matter of some of the songs, the music isn't depressing. Not all of the songs have lyrics of doom and gloom either. In the song "1995", the singer looks back fondly on a that happy year while proclaiming "though I'm happier now."

Lesser Matters is a small, understated, emotive album. Those who are fans of the dream pop genre will have a great new addition to their collection and newcomers will get a great introduction.

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domingo, 7 de diciembre de 2008

Her Space Holiday - The Young Machines (2003)








Her Space Holiday - The Young Machines (2003)


Mp3 @192 KBP -65 MB


Lastrado por sus innegables puntos de contacto -letras mediante- con la escena emo estadounidense, el proyecto unipersonal de Marc Bianchi, Her Space Holiday, ha recorrido una senda anárquica y zigzagueante desde su primera encarnación a mediados de la década de los noventa. Emparentado primero con el dreampop y, de "Manic Expressive" [Tiger Style; 2001] en adelante, con la pujante inditrónica yankee, sus seis trabajos de estudio han sido acogidos de forma polarizada por la crítica y el público, haciéndole merecedor de trofeos tan discordantes como el de «mejor orfebre de pop electrónico estadounidense» o el de «letrista más cursi de la escena independiente».

"The Young Machines", hasta la fecha último trabajo de Bianchi, no cambiará la situación tan adversa a la que ha de hacer frente este prolífico nativo de California, pues la disección y posterior listado de sus virtudes y defectos colmara de argumentos tanto a sus partidarios como a sus acérrimos detractores: los primeros lo auparan a lo más alto del casillero de sus mejores trabajos y los segundos lo pondrán tibio atacándole por el flanco recurrente que han sido siempre sus letras. No cabe duda que unos y otros tienen parte de razón...

Obra claramente emparentada con el "Give Up" [Sub Pop; 2003] de The Postal Service -a su vez fuertemente influenciado por los anteriores trabajos de Bianchi-, este compendio de pop electrónico y ensoñador tiene sus tres principales bazas en el cuidado trabajo de la sección de cuerda, en la acertada selección de los beats que musculan las florituras orquestales, y en las letras que acaban de cohesionar el conjunto, en las cuales Marc se desviste por completo suponemos que a) por puro exhibicionismo o b) en un intento (más que loable) de zafarse de sus problemas.

El resultado es un disco embriagador que, dependiendo del background de quien lo escuche, caerá de un lado u otro de la cursilería, pero que, reticencias personales aparte, es un bellísimo disco de pop moderno con el único handicap de no resultar apto para todos los paladares. En cualquier caso, si ésta es tu type of shit y "Give Up" te hizo pasar un estupendo verano, prepárate porque con "The Young Machines" este otoño te vas a enamorar

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jueves, 4 de diciembre de 2008

The Jesus And Mary Chain - Darklands (1987)



The Jesus And Mary Chain - Darklands (1987)

Mp3 @ vbr -52B


Con su estridente álbum de debut (Psychocandy, 1985), The Jesus And Mary Chain lograron demostrar, a golpe de turbulencia guitarrera, que a mediados de los 80 aún existían posibilidades de explorar nuevos sonidos en un instrumento sobre el que todo parecía haber sido ya inventado.

Desde luego, el particular tratamiento de las guitarras en aquel primer álbum no dejó a nadie indiferente, y convirtió al grupo del los hermanos Reid en precursores de algo que llegó a ser conocido cáusticamente como ‘sonido taladro-lavadora’. Ironías aparte, en su música había claras influencias ramonianas y ecos de The Stooges y The Cure, pero también estaban presentes el surf de los Beach Boys (a los que luego versionarían), y el legendario ‘muro de sonido’ del mítico Phil Spector.

Atmósferas oscuras, voces graves y, sobre todo, una maraña de guitarras y distorsión que lo envolvía absolutamente todo, creando auténticos tornados sonoros que, desde entonces, definirían el sonido de la banda escocesa. Por aquella época aún completaba el trío como batería nada menos que Bobby Gillespie, quien luego se convertiría en líder de Primal Scream, otra banda de incontestable potencia sonora.

El tiempo ha conferido a aquel sorprendente disco de debut el justo status de clásico que, sin embargo, y en la modesta opinión del que esto suscribe, aun se vio superado por su segundo trabajo, titulado premonitoriamente Darklands, una nueva entrega en la que se advertía una interesante evolución: por un lado, los de Glasgow rebajan el tremendismo ruidista de su primer trabajo, difuminando el lado más estridente de las guitarras para dar paso a una mayor intensidad melódica (sirva como ejemplo el tema que da título al álbum); y, por otro lado, canalizan su energía para imprimir un punto intenso y emocionante a las canciones, hacía un tono más melancólico, y a la vez apasionado, que parece impregnar la totalidad de las composiciones del disco.

Es como si la angustia y el caos adolescente de Psychocandy hubiesen madurado y se hubiesen transformado en una especie de rebeldía existencial e introspectiva, y ello sin perder nunca la capacidad para resultar tremendamente contundentes (“Down On Me”). Precisamente ahí radicó siempre una de las mayores virtudes del grupo: su capacidad para saber controlar el ruido y la distorsión, algo que siempre se echó de menos en muchos grupos que siguieron su estela. Además, en este disco logran firmar algunos de los mejores temas de su carrera, como “Happy When It Rains” o “April Skies”, canciones de oscura belleza, como alguien acertadamente describió.

Siempre reconocibles por su característico sonido, continuaron su carrera hasta 1998, y aún editaron varios trabajos de interés, como el sobresaliente Automatic (1989). Echando la vista atrás, no sólo es necesario reivindicar a Jesus And Mary Chain como los grandes precursores del noise-pop, sino también como una de las bandas que más revitalizaron la música de finales del siglo pasado con un sonido propio, original y, además, terriblemente subversivo.

Javier Palacios (Publicado en Entremuros)


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domingo, 30 de noviembre de 2008

16 Horsepower - Olden (2003)


16 Horsepower - Olden (2003)
Mp3 @ 192 kbps -89 MB


A peculiar release for a band with only four full length albums, one E.P. and a live album. "Olden" marks the 10th anniversary of the band's first recording sessions.
12 tracks recorded over a two year period, 6 live tracks and two interview snippets. Despite being a hodgepodge assembly, "Olden" is remarkably coherent. 16 of the tracks made it to later albums and only two songs "Train Serenade" and "Slow Guilt Trot" make their debut here.
While many would consider this an unnecessary, redundant release, it is actually superior in many ways to the major label versions that would appear later. These versions are much more gritty, earthy and unpolished, a sound that suits 16HP creaky bandoneon, jangly guitars, plunking banjo and haunting vocals quite well.
Standout tracks include the apocalyptic "Coal Black Horses", the hypnotic "My Narrow Mind" and the driving "Slow Guilt Trot."



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domingo, 23 de noviembre de 2008

16 Horsepower - Folklore (2002)





16 Horsepower - Folklore (2002)
Mp3 @ VBR kbps -60 MB

Alternative Country Gotico?

Suena raro, pero de alguna manera encaja más que nunca con los 16 Horsepower que nos encontramos en Folklore. Dos años después de Secret South - su disco más celebrado y tras el paréntesis "Hoarse" en forma de directo, el trió de Denver conmemoró su decimo aniversario con la lúgubre sobriedad de lo que seria la banda sonora ideal para un western crepuscular en blanco y negro en el que no ganan los buenos.


David Eugene Edwards, Pascal Humbert y Jean-Yves Tola mezclan composiciones originales con unas muy personales adaptaciones de Hank Williams, la Carter Family y temas tradicionales de Hungría, Tuvá, Norteamérica.


Si Ian Curtis hubiese nacido en Arizona probablemente habría acabado haciendo algo así.

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lunes, 17 de noviembre de 2008

16 Horsepower - Hoarse (2001)






Mp3 @ 192 kbps -90 MB´

16 Horsepower may very well be the best live show around today. Onstage, they deliver an intensity that has nothing to do with pyrotechnics or flash of any kind and everything to do with the band's (especially singer/songwriter David Eugene Edwards') vision. The music is at once visceral and diaphanous, smacking you in the gut, then retreating like fog when you turn your head. The ghosts of Appalachia are here, as is the spirit of Leadbelly and any Chatauqua tent preacher. Demons (worldly and otherwise) babble and shriek and tempt, the voice of God is hard to hear and harder to follow, but always just in front and just behind you as you listen. And these polar extremes are always contained within all of us - that is the genius of the message brought home by seeing 16HP live. It's not a unique idea that all people consist of good and evil impulses, but watching Edwards bent over the microphone and banjo or accordion, you FEEL it in the same way that looking at film footage of an earthquake is different from watching the plaster crack in your apartment while you listen to that unbelievable low tearing noise that no truck or train or man-made sound could match.
"Hoarse" is the next best thing to seeing the band live. Though 16 Horsepower have no "hits" in the money-driven, radio sense of the word, this disc is loaded with much of their best material: Brimstone Rock, Black Soul Choir, Low Estate, American Wheeze and others are given full-throttle treatment.

I've also always maintained that you can tell a great deal about a band by whom they choose to cover, and how well they make the songs they cover their own. On "Hoarse", 16 Horsepower prove no less formidable in this respect: versions of songs by Joy Division, The Gun Club, and Creedence Clearwater Revival are indications of the band's diverse influences. And what versions they are! "Bad Moon Rising" is transformed from a major-key uptempo folk-rocker in the hands of Fogerty into a creepy, minor key backwoods warning. Lines like "hope you are quite prepared to die" and "one eye is taken for an eye" have a menacing, this-is-just-around-the-corner feel that sounds like it should have always been there in the song. Frankly, if you look just at the words of the tune, it's easy to imagine 16 Horsepower's terrifying rendition being the music that should have accompanied them in the first place.

The best bands have always presented a unique view of the world which draws you in and leaves you no other way to relate to the world for the duration of the music. Afterwards, some of that vision becomes part of your own, and you are changed forever. Sixteen Horsepower are the sound of the crossroads, and this disc is a perfect introduction.


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16 Horsepower - Secret South(2000)



16 Horsepower - Secret South(2000)
Mp3 @ 192 kbps -96 MB

On this, their third full-length studio album, Sixteen Horsepower has proved what their long-time fans have always known: no one else is doing this kind of music quite this well! The musical landscape of Secret South is something akin to the Appalachian woods: deep and complex. There are so many layers here that you will find something new nearly every time you experience these eleven songs. Frontman, David Eugene Edwards, who says he wrote this album at the piano, has set aside many of the instruments that made their sound so unique in the past. What do we have left? One incredible piece of artistry.
What may strike loyal fans as something a bit different is the change in mood on this album. There are far fewer pot-boilers here as there were in the past. Sure "Clogger" kick-starts the album with some real fire, but the sustaining 'feel' of the whole project is more of water rising to a rolling boil. "Cinder Alley" and "Splinters" (two of my early favorites here) are great examples. To compare the beginning and ending of the songs you might not have guessed Edwards and co. would `go there.' These guys, instead of torching gasoline-soaked bonfires like they have in the past, turn up the flame slowly. Soon the songs are well-ablaze. "Strawfoot" is a great example of how you may find yourself listening intently at the subtle beginning but soon discover your toes are tapping.


What I hear here is the sound of a group of musicians who have matured to the point of restraint. They have proven they can rock many times in the past, and with great success! Here the musical artistry is more controlled and, as a result, becomes even more beautiful. The addition of strings has provided a 'lushness' in places that was missing before. Dare I say it, 16hp at times sound elegant!


Lyrically these songs are as gripping and unforgettable as ever. "Praying Arm Lane" and "Poor Mouth" are among the finest pieces David has ever written. Familiar denizens of the dark land where 16hp is wont to inhabit are back for return appearances: Christ, Satan, persevering saints and woe-begone sinners. Of special note here are several references to Narnia (in "Clogger," "Splinters" and "Just Like Birds"). Witness the power of a redeemed imagination in David's tremendous writing. It rarely gets any better than this!


One song I keep going back to is "Nobody 'Cept You," the Dylan cover. This has been a favorite of those who have seen 16hp live, but now we have it for keeps! Thanks, guys! For me Secret South proves right (once again) those of us who consider ourselves 16hp "pushers." We traffic in their music. We even try to get our friends addicted, and sometimes it works! I consider Secret South tremendous ammunition for spreading the fame of my favorite band. Let's just pray they don't stay such a secret much longer
..

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domingo, 16 de noviembre de 2008

16 Horsepower - Low Estate (1997)



16 Horsepower - Low Estate (1997)
Mp3 @ 192 kbps -96 MB

Denver's 16 Horsepower have everything that the current irony ladened 90s pop bands lack - conviction, passion, and some damn fine rocking tunes. Singer/Lyricist David Eugene Edwards creates a world of extremely nasty spiritualism with a fire & brimstone passion that makes an agnostic like myself envious of the faithful. Their instrumentation is deliciously anachronistic, employing concertinas, a hurdy-gurdy and some fine banjo playing along with the more traditional guitar-bass-drums line up, with some excellent organ-playing by producer/P.J. Harvey associate John Parish. That they are as of mid-February without a record label is an atrocity. However, a band with this level of raw talent and power will not be silenced by the verities of the business world. Side Note: I saw them opening for Nick Cave here in L.A., and their performance nearly matched old Saint Nick's intenisty and sheer overwhelming power. Nearly.

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lunes, 3 de noviembre de 2008

16 Horsepower - Sackcloth'N'Ashes


MP3 @192 80 MB

With its use of banjo, accordion, lap steel, and stand-up bass and its songs about creaking pine porches, shallow graves, prison shoes, and big horses, Sixteen Horsepower would seem to be drawing from the same ancient wells of Americana as the Band. The Band, however, handled this tradition from a working-class perspective of Monday morning blues and Saturday night release. By contrast, Sixteen Horsepower takes the leisure-class approach of existentialist angst, bad college poetry, and no release whatsoever. Edwards simply throws evocative phrases together without bothering to make one fit with the other. Such a technique could be called "experimental," but it could also be called "lazy." Drummer Jean-Yves Tola and bassist Keven Soll help Edwards create a spare, agitated, rock & roll string-band sound behind his doom-and-gloom howlings

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martes, 28 de octubre de 2008

The Vanishing - Songs For Psychotic Children (2003)


The Vanishing - Songs For Psychotic Children (2003)

Mp3 @ 128 kbps -30 MB

The Vanishing are Goth, but not the kind of Goth that perches you over the sink in a candlelit bathroom with a razor blade against your wrist. They're more like Goth that makes you put on three extra coats of eyeliner and your pointiest dancing shoes. Songs for Psychotic Children sounds like Joy Division with the Cure's guitar player on bass and Lydia Lunch or Nina Hagen singing-with unbelievably dance-y beats flush against flanged bass and panicked little-girl-trapped-in-a-woman's-body (or vice-versa?) vocals-but also remembers the bands the various members have laid to rest, such as the Subtonix, the Knives and the (not-quite-dead) Lies. Call it post-Goth or call it New Darkwave, but the Vanishing have tapped into everything that made their influences great and come up with something wholly original. After all, this is a punk-punk band whose black-clad, mop-topped drummer occasionally answers to the name Muffin and whose Clara Bow-meets-bride-of-Frankenstein singer/bassist Jessie is more likely to get in a grass fight at the cemetery than weep on someone's grave. With Jessie's vocals-are we hearing an exorcism or a murder here?-backed by dearly departed (no, silly, she just left the band!) Sadie Shaw's creative keyboard counterbalance and the drummer invoking whatever disco-drum demon he prays to, Songs for Psychotic Children is playfully dramatic, but never at the expense of the beat.



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lunes, 27 de octubre de 2008

Chrome - The Visitation (1977)



Chrome - The Visitation (1977)
Mp3 @ 192 kbps -?? MB

El primer disco de Chrome

Inspirados de igual forma por la musica contemporanea que por los stooges

Excelente
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miércoles, 15 de octubre de 2008

Scratch Acid - The Greatest Gift (1991)










Scratch Acid - The Greatest Gift (1991)
Mp3 @ 192 kbps -100MB

Scratch Acid fue un grupo de Austin, Texas ruido formado en 1982. Cuando empezó, su alineación era Steve Anderson (voz), David Wm. Sims (guitarra), Brett Bradford (guitarra), David Yow (bajo), y Rey Washam de los Big Boys (batería). Anderson fue expulsado de la banda antes de que la banda grabara algo , David Yow comenzo a cantar y Sims paso al bajo.


Debido a que su disquera Rabid Cat y Fundamental Records no les dieron ningun dolar por sus EPs se desintegraron en 1987.Brett Bradford formo en Colorado la banda Great Caesar's Ghost , Rey Washam siguio en los Big Boys , David Wm. Sims Y David Yow formaron Jesus Lizard.

Un disco recomendadisimo para quien guste de bandas gritonas ochenteras con rabia y que se acoplarian a la gran industria con Nirvana



He aquí Kurt Cobain con una playera de Scratch Acid

Nuevo Link 1 (New Link 1 )

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martes, 14 de octubre de 2008

Fleeting Joys - Despondent Transponder (2006)



Fleeting Joys - Despondent Transponder (2006)
Mp3 @ 128 kbps -33 MB
The Fleeting Joys son una banda de Sacramento, CA. Su sonido está influenciado fuertemente por My Bloody Valentine, de quien a menudo son comparados incorporando complejas capas de feedback.
Su álbum debut Despondent Transponder fue lanzado en el 2006. El dúo son: John (guitarras y Rorika ( bajos y la electrónica). Ambos cantany utilizan diversos bateristas invitados.
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viernes, 10 de octubre de 2008

Adios

No pierdas el brillo de tus ojos
Lo puedo ver ahora mismo mientras sonries
Déjame ver átras durante un rato
A áquel tiempo magico
Puedes llamarlo nostalgia

Feliz Cumpleaños
y
ADIOS

jueves, 9 de octubre de 2008

Ennio Morricone - Teorema




Ennio Morricone - Teorema


Mp3 @ 320 kbps -97 MB



Teorema es la depuradísima expresión cinematográfica del complejo pensamiento de un autor imprescindible tanto por su lucidez y su honestidad como por la radicalidad de su propuesta formal. 
Con un punto de partida que presenta interesantes similitudes con El ángel exterminador (1962) de Luis Buñuel, en Teorema Pasolini expone el choque que provocará en los cuatro miembros de una família burguesa y en su criada la llegada y posterior partida de un visitante misterioso y desconocido. Pero si en la película de Buñuel ese algo o alguien abstracto e invisible –que sólo mediante el título podríamos atrevernos a identificar- crea una situación extraña en la que un miedo de origen inexplicable dinamitará la seguridad y las buenas maneras de los personajes dejando al descubierto la hipocresía que se esconde bajo sus máscaras de buenos burgueses, en la película de Pasolini ese alguien es dotado de una presencia eminentemente corpórea, tangible y poderosa; y no será el miedo, sino el amor y su expresión más carnal, el sexo, lo que provocará una revelación de calibre similar en sus protagonistas. La seducción pasiva –aspecto éste a tener en cuenta pues subraya el carácter sobrenatural y divino del personaje- ejercida por este Visitante sobre cada miembro de la família será sublimada por Pasolini, quien no dudará en fragmentar los cuerpos para obtener encuadres bellísimos y de gran potencia visual, uniendo y aislando en un mismo plano el torso o los genitales del Visitante y las piernas de Paolo –en el primer caso- o el rostro de Odetta –en el segundo-; de este modo queda acentuada la proximidad física entre los cuerpos y el poder arrasador del personaje interpretado por Terence Stamp. 
El excelente tratamiento de la luz, ténue y amarillenta, será, junto a la música de Ennio Morricone, una de las pocas concesiones otorgadas a la calidez en un film donde la fotografía de Giuseppe Ruzzolini potenciará la frialdad de los colores apoyándose sobretodo en los verdes, los blancos y los azules. Es interesante, sin embergo, observar como el Visitante aparecerá frecuentemente bañado por esa luz y como tras su partida ésta servirá para expresar la melancolía mediante el halo divino que planea por el paisaje. En este sentido, la secuencia del entierro de la criada o aquélla en la que Lucía sale de la casa de su joven amante resultan especialmente significativas. 
En la segunda parte del film Pasolini se dedicará a explorar la evolución de cada uno de los personajes tras la partida del Visitante, incidiendo en la sensación de pérdida y angustia experimentada por todos, excepto por Emilia, representante de una clase inferior y por lo tanto no aferrada a la riqueza material -al igual que sucede también con el cartero que, no por casualidad, aparece siempre batiendo los brazos, como si volara-. El director insistirá en varios detalles para diferenciar su experiencia de la del resto y por eso Emília será la única de la que el Visitante no se despedirá, gesto que, aunque pueda parecer trivial, ya prefigura la idea -corroborada después, cuando veamos que Dios obrará a través de su cuerpo para hacer milagros- de que ella será la única que no vivirá la ausencia del Visitante como una pérdida; y es que, si bien es cierto que la llegada de éste también ha resultado reveladora y, hasta cierto punto, liberadora para el resto de la família, su partida se traducirá en comportamientos desesperados de fatídicos efectos y en acusadas crisis de angustia, tomen éstas como símbolo el puño cerrado de Odetta, la frenética actividad artística donde Pietro vuelca su locura o el grito desesperado en el caso de Paolo y Lucía.
 El vacio al que estos personajes se verán abocados y sus vanos intentos por llenarlos serán sugeridos por el realizador mediante distintas estrategias. Quizás la más evidente es la utilización de encuadres sobre cuerpos y objetos que nos remiten directamente a la primera parte del film (la ropa tirada del chico con el que se acuesta Lucía, el cuerpo del joven al que Paolo mira en la estación). En el caso de Odetta, en cambio, la nostalgia y el deseo serán expresados de modo más abstracto: primero mediante ese efectivo movimiento de cámara que hará girar las paredes alrededor de su cuerpo, avanzándonos ya la imminente crisis, y después mediante una espera que será llenada con gestos y acciones en apariencia banales, pero que en realidad esconden una silenciosa búsqueda de las huellas de su experiencia y que adquirirán un sentido claro cuando la veamos asomada a la puerta del jardín o acariciando las fotos que tomó del Visitante, justo antes de que decida encerrarse en el mutismo y la parálisis. 
Para describir todos estos procesos Pasolini idea una estructura casi matemática, rasgada por enormes elipsis, donde su teorema queda despojado de todo ornamento innecesario para tomar la forma de sólido andamiaje que sustenta a una historia donde la mezcla entre religión y erotismo impregna a toda la película, sin pudor y con absoluta naturalidad, y se perfila como el único poder catalizador capaz de desestabilizar a una clase social dominante que siempre estuvo en el punto de mira del realizador por cuanto representaba “un modelo de vida negador de todos los demás y responsable de propiciar el desvanecimiento de la cultura sentimental y moral de las clases trabajadoras” *. Ideas éstas que Pasolini no renunciará a expresar de manera bastante contundente, poniéndolas en boca del periodista que aparece entrevistando a los obreros al principio de la película. Precedidas por dos anunciaciones que señalarán la llegada y la partida del Visitante -en el primer caso mediante la secuencia sin sonido en que Lucia se santigüa, y en el segundo mediante una cita de Rimbaud- y unidas por unos monólogos donde ante la imminente marcha de este enigmático ser los protagonistas expresarán sus sentimientos en forma de confesión - marcando un punto de inflexión en una película que por lo demás es prácticamente muda- las dos partes en las que se divide Teorema se miran cara a cara sin disimulo, evidenciando esa condición simétrica de la que el film se beneficiará constantemente. 
Mediante el tratamiento claramente antinaturalista de la banda de sonido y optando por un montaje donde destaca un uso nada convencional del plano-contraplano y un efectivo aprovechamiento de los saltos de raccord, Pasolini renunciará a la continuidad en favor de la asociación intuitiva de imágenes convirtiendo a Teorema en una obra inspiradísima y misteriosa, recorrida por un halo de extrañeza y surcada por fotogramas perturbadores de gran potencia sensorial, como las imágenes de la casa, por ejemplo, que aparecerán durante la primera parte del film, como símbolo de la seguridad en la que vive refugiada la família antes de su completa desintegración, y que contrastan con las inclusión recurrente de esas tomas del desierto azotado por el viento. 
Pese a la dureza y la intransigencia de su desenlace, Teorema se nos revela, plano a plano, como la obra de un autor con una mirada tan crítica como compasiva. Y tanto la cita del Éxodo, que abre la película y adquiere completo sentido cuando conocemos el destino de Paolo, como la decisión de Emilia, que se enterrará en una obra en construcción hermanándose así con las civilizaciones sepultadas por el progreso, son elementos que servirán a Pasolini de eslabón para tender un lazo histórico que hace de Teorema un film universal, atemporal y mítico.

Reseña del blog http://aliciaylosespejos.blogspot.com/

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martes, 30 de septiembre de 2008

Beachwood Sparks - Once We Were Trees (2001)




Beachwood Sparks - Once We Were Trees (2001)Mp3 @ 192 kbps - 71 MB

Grandes canciones con maravillosas melodías y letras. Un álbum clásico!

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lunes, 22 de septiembre de 2008

The Beachwood Sparks - Beachwood Sparks (2000)




The Beachwood Sparks - Beachwood Sparks (2000)

Mp3 @ 192 kbps -57 MB

Los Beachwood Sparks son unos vaqueros espaciales.

Formados por ex miembros de bandas como Further y Lilys.
Su primer disco fue publicado en Sub Pop y Bomp!

El primer álbum Beachwood sparkks es probablemente uno de los álbumes más influyentes de los primeros 00S.

La clásica Alíneacion de Sperske, Scher, Rademaker, Gunst llegó con un maravilloso debut. el álbum mezcla baladas hermosas canciones pop,country y psicodelia

Con canciones increíbles y emocionantes de producción, mezcla de retro y moderno, Beachwood Sparks alegó el lugar que les corresponde como revolucionarios de la Cosmic American Music-tradición.

El álbum fue lanzado en CD por Sub Pop y en vinilo por Bomp.


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viernes, 19 de septiembre de 2008

Blues Creation - Live (1971)



Blues Creation - Live (1971)
Mp3 @ 192 kbps - 120 M




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lunes, 15 de septiembre de 2008

Mastodon - Blood Mountain (2006)













Mastodon - Blood Mountain (2006)
Mp3 @ 192 kbps -71 MB



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